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Oct 03, 2023

Rezension: David Hammons ist einer unserer größten lebenden Künstler. Ein spannender neuer Dokumentarfilm erklärt, warum

In der entwaffnendsten Kunst von David Hammons erhält scheinbare Einfachheit eine scharfe Bedeutung

In der entwaffnendsten Kunst von David Hammons geht scheinbare Einfachheit mit scharfer Raffinesse einher. Es ist wie eine aufgeladene Matroschka-Puppe, bei der sich jede Schicht ablöst, um eine andere Schicht freizulegen und zu befruchten – und noch eine, und noch eine, und noch eine, bis dem Betrachter vor Erschöpfung schwindelig wird, sowohl entzückend als auch ernüchternd.

Das Leben der Schwarzen in einer von Weißen dominierten Gesellschaft steht seit mehr als einem halben Jahrhundert im Fokus von Hammons, spätestens seit dem schicksalhaften Jahr 1968. Damals schrieb er sich am heutigen Otis College of Art and Design ein, um mit dem Künstler Charles White zusammenzuarbeiten , damals, als die Schule am Rande des MacArthur Park in LA lag (der damals im Dunkeln schmolz und der süße grüne Zuckerguss herunterfloss). Heute, mit 79 Jahren, gehört Hammons zu unseren größten lebenden Künstlern. Seine Arbeit ist nichts weniger als ein kultureller Prüfstein für kritische Entwicklungen im Zentrum der amerikanischen Kunst und des amerikanischen Lebens.

Ein Dokumentarfilm über einen lebenden Künstler ist besonders schwierig zu machen, wenn die Person nicht mitmacht, auch nicht an einem Interview teilnimmt. Das ist einer der Gründe, warum „The Melt Goes on Forever: The Art & Times of David Hammons“ bemerkenswert ist. Der Film ist auf jeden Fall fesselnd, abgesehen von den retrospektiven Überlegungen des Künstlers, dank der Beiträge vieler kluger und aufmerksamer Künstler und anderer.

Hin und wieder taucht Hammons in seltenen Dokumentarfilmen auf, was das distanzierte Gefühl der Missachtung von Normen, das für seine Ästhetik von zentraler Bedeutung ist, nur noch verstärkt. Dazu gehört auch die allgemeine Gleichgültigkeit gegenüber dem aktuellen Ruf nach Prominenten, der die zeitgenössische Kultur so stark beeinflusst.

Sicherlich gingen die etablierten Co-Regisseure des Films – Judd Tully, ein langjähriger New Yorker Kunstautor, und Harold Crooks, ein preisgekrönter kanadischer Filmemacher – vor Beginn davon aus, dass sie auf den direkten Beitrag des Künstlers zu ihrem Jahr 2022 verzichten müssten Dokumentarfilm. (Der Film kommt schließlich am Freitag in Los Angeles im Laemmle Monica Film Center an und geht am 5. Juli zu Amazon und Apple TV.) Hammons ist bekanntermaßen schwer fassbar. Ich traf ihn nur einmal, im Jahr 1991, als er ein paar kleinere Details für die Installation einer großartigen Midcareer-Umfrage im Museum of Contemporary Art in San Diego fertigstellte. Er war sympathisch, wir tauschten Höflichkeiten aus und er war weg. Die Show hingegen sprach mit umwerfender, manchmal seltsam verwirrender Beredsamkeit.

Dass es in der superreichen, fast ausschließlich weißen Enklave La Jolla geschah, ließ alles in eklatanter Weise aufblitzen. Beispielsweise wurde ein Basketballkorb aus dem Jahr 1991, der aus einer Plastikmilchkiste auf einer mit Kronkorken besetzten Stange bestand und wie ein Zeremonienstab wirkte, zu einem erschütternden, erstrebenswerten Symbol für einen möglichen Ausweg aus der Armut. Ein elegant gefächertes, wellenförmiges Wandrelief aus dem Jahr 1982 wurde aus flachgedrückten braunen Papiertüten gefertigt, die mit Hühnerfett bestrichen und mit schwarzen Haaren gesprenkelt waren (Titel: „Bag Lady in Flight“).

Die schockierende Installation „How Ya Like Me Now?“ aus dem Jahr 1988 begrüßte die Besucher am Eingang und wurde im Film prägnant dokumentiert. Auf den ramponierten Überresten einer Hammons-Werbetafel ist ein Bild von Jesse Jackson mit weißem Gesicht, blond und blauäugig zu sehen, das der Künstler ursprünglich auf der Straße gegenüber der National Portrait Gallery aufstellte – unserem offiziellen Saal zur Feier bürgerlicher Leistungen, aber gleichzeitig auch ein Museum, in dem schwarze Gesichter zu sehen sind fehlen weitgehend.

Widerstand, manchmal in Form von dreistem Spott, ist ein Motor für Hammons' Kunst. Widerstand gegen die Forderungen der weißen Gesellschaft. Widerstand gegen konventionelle Kunstmaterialien (seine Skulpturen bestehen aus Bratpfannen, Steinen, Friseurhaaren, Hühnerknochen, Pelzmänteln und Schnee). Widerstand gegen die PR-Mühle. Erwartungsresistenz und leichtes Verständnis.

Hammons zog 1974 nach Harlem – ein Ort voller Ruinen, wie er sagte, wie Rom –, aber entscheidend für seine Entwicklung waren die sechs Jahre zuvor, die er in Los Angeles verbracht hatte (er wurde 1943 in Springfield, Illinois, geboren und trat dem bei). Große Migration). Bei Otis war der unerschütterliche soziale Realismus, der in Whites monumentalen Zeichnungen zum Ausdruck kommt, von wesentlicher Bedeutung. (Als Hammons nach New York zog, übernahm der Innenstadtdichter Steve Cannon die Mentorenrolle von White.) Ganz in der Nähe, in den Granada Buildings am Lafayette Park Place, bot die Gallery 32 der Künstlerin Suzanne Jackson Gemeinschaft für schwarze Künstler. Zu den mehr als 30 Personen, die für den Dokumentarfilm interviewt wurden, gehören Jackson (selbst eine ehemalige weiße Studentin) und die Kunsthistorikerin Kellie Jones, die 2011 die entscheidende UCLA Hammer-Ausstellung „Now Dig This! Art and Black Los Angeles, 1960-1980“ organisierte zwei der eindringlicheren Stimmen.

Der vielleicht hervorstechendste und schwer zu verstehende Punkt des Dokumentarfilms ist die Beziehung zwischen Hammons' Kunst und der von Marcel Duchamp (1887-1968). Das Werk des französischen Dadaisten war die Plattform, auf der in den späten 1950er und 1960er Jahren Pop- und Konzeptkunst aufbauten, und Duchamps Konzept des „Readymade“ war ihr schlagendes Herz.

In der modernen Industriekultur verschwimmt die scharfe Unterscheidung zwischen einem Kunstwerk und einem maschinell hergestellten Objekt – etwas, das bereits hergestellt wurde. Duchamp schlug vor, dass ein Metallgestell zum Trocknen gebrauchter Weinflaschen in einem Café, eine gewöhnliche Schneeschaufel im Baumarkt oder ein einfaches Badezimmerurinal eine doppelte Funktion als Skulpturen erfüllen könnten. Entscheidend war, wie der Betrachter sie betrachtete, und diesen Blickwinkel in einen unerwarteten Blickwinkel zu manövrieren, war die Aufgabe des Künstlers.

Hammons blickte Duchamp an, er blickte auf das Leben der schwarzen Amerikaner, er blickte darauf, wie weiße Künstler Duchamp und schwarze Amerikaner betrachteten – und er blickte schief. Seine Arbeit erfüllte bald das Gespenst der Sterblichkeit mit dem aufkeimenden Erbe der Kunstwortspiele Duchamps.

Dieses bürgerliche Weinregal im Café? Mehrere Dutzend leere Weinflaschen, die den versoffenen Überresten eines Wracks gleichkamen, wurden zu einer Schlaufe zusammengeklebt, die einen ramponierten Eimer hochhält. Hammons' Skulptur bietet einen elegant gelösten Bezugsrahmen zu einer unbehausten, verlorenen Seele, die in billigem Wein getränkt ist und wahrscheinlich auf der Straße „den Eimer rauswirft“, wie er sie nannte.

Duchamps umgekipptes Badezimmer-Urinal? Hammons führte eine Ein-Mann-Straßenaktion durch, indem er sich öffentlich gegen eine prominente, brutale Skulptur aus riesigen Stahlwänden von Richard Serra erleichterte. (Ein Polizist intervenierte.) In der Nähe eines U-Bahn-Stationseingangs auf einer belebten Verkehrsinsel verwandelte die Geste eine private Veranstaltung, die Duchamps Fundstück beherbergte, in einen verzweifelten sozialen Akt, den Hammons „Pissed Off“ nannte.

„Ich bin der CEO des DOC – der Duchamp Outpatient Clinic“, scherzte Hammons einmal. Der Dokumentarfilm stellt fest, dass die konzeptionelle Hürde seiner Kunst, die alles andere als komisch ist, darin besteht, dass das ultimative Ready-made der schwarze versklavte Mensch ist – eine industrialisierte Persönlichkeit aus Fleisch und Blut, beraubt von den gewöhnlichen Wundern der Natur, verwandelt in ein entmenschlichtes „Gefundenes Objekt“. "

Nirgendwo wird diese Grausamkeit deutlicher als in einem mittlerweile legendären Werk, auf das sich auch der klug gewählte Titel des Films bezieht: „The Melt Goes On Forever“. Schneebälle sind das Herzstück. Am Rande verwandt mit Duchamps Schneeschaufel, die der Franzose witzig „In Advance of a Broken Arm“ betitelte, stellte Hammons sein Stück 1983 auf einem winterlichen Bürgersteig im East Village nahe der Ecke Cooper Square und Astor Place auf. Die Gier der rassistischen Reagan-Ära Es kam schnell zu einer wirtschaftlichen Schlappheit. „Bliz-aard Ball Sale I“ rief eine hochnäsige, bewusst prätentiöse Aussprache hervor, die durch die Schreibweise von bliz-aard erzwungen wurde, um von gebrochenen Männern und Frauen zu sprechen.

Das Stück bestand aus gewöhnlichen Schneebällen in abgestuften Größen, die Hammons auf einer Decke ausbreitete und je nach Größe zu gestaffelten Preisen zum Verkauf anbot. Es bildete eine nominelle „Skulpturengalerie“ mit von einem Künstler handgefertigten Postminimal-Objekten. Die Reihe nahm ihren Platz inmitten anderer Decken ein, auf denen Straßenartikel aus dem Überlebensmodus ausgestellt waren – gebrauchte Taschenbücher, nachgeahmte Designerhandtaschen, ramponierter Schrott –, die von Menschen in Not verkauft wurden. Verunsicherte Passanten wussten nicht so recht, was sie davon halten sollten, denn all diese strahlend weißen Kugeln bildeten ein wahres Arsenal voller Spaß. Ein erschütternder Klang aus Grausamkeit und Verspieltheit vereint sich in einem einzigen Werk.

Die Schneeball-Straßenaktion, die damals weder durch eine Pressemitteilung noch durch eine andere Bekanntmachung angekündigt wurde, ist heute vor allem durch Dokumentarfotos bekannt, die Hammons‘ Freund, der Künstler Dawoud Bey, aufgenommen hat. (Zusammen mit seiner Künstlerkollegin Carrie Mae Weems ist Beys Werk Gegenstand einer aktuellen Fotoausstellung im J. Paul Getty Museum bis zum 9. Juli; eine Einzelausstellung findet bis zum 30. Juni auch in der Sean Kelly Gallery in Hollywood statt.) Der Film fügt hinzu eine strahlende Animation von Tynesha Foreman. Ein verwirrter Zuschauer, der an diesem Tag vorbeikam, ist jetzt ehemaliger Präsident der Art Dealers Assn. von Amerika; Der Dokumentarfilm berichtet von seinem weltfremden Versuch Jahre später, nachdem der Künstler eine internationale Persönlichkeit geworden war, einen flüchtigen Hammons-Schneeball für eine Million Dollar zu kaufen.

Es gibt hier keinen Spoiler zu dieser umwerfenden Geschichte und ihren unerwarteten Wendungen. Aber es umrahmt die umfassendere Erzählung eines überaus begabten schwarzen Künstlers, der sich durch eine von Weißen dominierte Kunstwelt bewegt, die von immer größeren Geldbergen überschwemmt wird, als eine Geschichte der Menschheit, die durch schwierige Wirtschaftstransaktionen brutal behandelt wird. Darin wendet sich „The Melt Goes on Forever: The Art & Times of David Hammons“ gegen die Gründungssünden der US-Geschichte, die bis heute schmerzlich wirksam sind.

Diese Geschichte erschien ursprünglich in der Los Angeles Times.