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Nov 03, 2023

Ausstellung im Ai Weiwei Design Museum: eine Momentaufnahme des Designs

Ai Weiwei sammelt für sein neues Projekt alles von neolithischen Werkzeugen bis hin zu Legosteinen

Ai Weiwei sammelt für seine neue Ausstellung im Londoner Design Museum (7. April – 30. Juli 2023) alles von neolithischen Werkzeugen bis hin zu Legosteinen. Wir haben ihn für eine Vorschau zu Hause in Portugal besucht

Es ist nicht bekannt, dass Ai Weiwei halbe Sachen macht. Für seine Installation auf der Documenta 12 im Jahr 2007 brachte der Künstler bekanntermaßen 1.001 chinesische Bürger für gestaffelte einwöchige Aufenthalte nach Kassel, Deutschland, und nutzte seinen Blog, um Freiwillige im Alter zwischen zwei und 70 Jahren zu rekrutieren. Das ehrgeizige Kunstwerk mit dem Titel „Fairytale“ schien um die Ankunft seines Heimatlandes auf der Weltbühne anzukündigen („Die Welt zu erkunden ist ein Recht, das man erwirbt, wenn man geboren wird, und diese Reisenden haben dieses Recht zum allerersten Mal ausgeübt“, schrieb er in seiner jüngsten Autobiografie), während er sprach zu aktuellen globalen Problemen wie Massenmigration und dramatischem Bevölkerungswachstum. Als Ai drei Jahre später eingeladen wurde, die Turbinenhalle der Londoner Tate Modern zu übernehmen, beauftragte er 1.600 Keramiker in der Töpferstadt Jingdezhen mit der Herstellung von 100 Millionen Sonnenblumenkernen aus Porzellan, die er dann in den höhlenartigen Ausstellungsraum goss, um eine scheinbar unendliche Landschaft zu schaffen – ein einfaches Motiv, das zu einer kraftvollen Aussage über den Aufstieg von „Made in China“ wird.

Das Arbeitszimmer des Künstlers mit Sonnenblumenkernen in Lego (2018)

Das Herzstück von Ais kommender Ausstellung im Londoner Design Museum, die am 7. April 2023 eröffnet, ist zwar etwas bescheidener, wird aber in ähnlicher Weise die geballte Kraft des bescheidenen Objekts hervorrufen. Die Hauptgalerie wird von fünf „Feldern“ eingenommen, die jeweils zwischen 44 und 72 m² groß sind und mit Readymades gefüllt sind, die von neolithischen Steinwerkzeugen bis hin zu Legosteinen reichen (siehe seine Seerosen Nr. 1, sein bisher größtes Werk in Lego), die zusammen eine bieten Momentaufnahme der Designgeschichte über acht Jahrtausende.

Unter dem Titel „Making Sense“ ist dies Ais erste Ausstellung, die sich auf Design konzentriert, was für einen Konzeptkünstler überraschend erscheint. Aber Ai war schon immer von der materiellen Kultur fasziniert, ein Interesse, das er auf seine Lebensgeschichte zurückführt. Weiwei wurde 1957 in Peking als Sohn von Ai Qing, einem der berühmtesten Dichter des modernen China, geboren. Er wuchs in der nordwestlichen Provinz Xinjiang auf, als sein Vater aus politischen Gründen im Exil war. Der Familie wurde keine angemessene Unterkunft verweigert und sie lebte in einem Unterstand – ein Bild davon ist noch heute der Sperrbildschirm auf dem iPhone des Künstlers –, wo sie auf einer mit Weizenstängeln bedeckten Plattform schlief, keinen Strom hatte und ständig Ratten und Läuse abwehren musste. Solch erbärmliche Bedingungen erforderten Improvisation: Ai erinnert sich, wie er aus einem Brett, vier Nägeln und einem Stück Schnur ein einfaches Regal zusammenbaute und einen Ofen baute, um etwas Ruhe vor den bitterkalten Wintern zu bieten. Diese Erfahrungen prägten sein frühes Verständnis von Design, nicht als ästhetisches Streben, sondern als „Menschen, die rudimentäre, gefundene Materialien verwenden, um zu versuchen, ihr Leben zu verbessern“, erklärt er an einem klaren Februarmorgen, als wir auf der hinteren Veranda seines Hauses sprechen Montemor-o-Novo, Portugal.

Ais Haus war das erste Anwesen, das er in Portugal besuchte. Sein Ziegeldach, das denen traditioneller chinesischer Gebäude ähnelt, gefiel dem Künstler, der das ehemalige Ferienhaus an Ort und Stelle kaufte. „Ich wusste nichts über Portugal. Drei Jahre später denke ich, dass ich eine gute Entscheidung getroffen habe. Ich treffe immer große Entscheidungen, bevor ich es weiß; Es macht mir Freude, nach und nach alles zu entdecken.

Diese Vorstellung von Design als Überlebensinstrument wurde auf den Kopf gestellt, als Ai 1981 in die USA zog und einer der ersten chinesischen Studenten wurde, die in einer Ära der Reformen im Westen studierten. Er landete in New York (wo er kurzzeitig die Parsons School of Design besuchte), was ihm seine ersten Erfahrungen mit dem „extremen Kapitalismus“ bescherte. Doch als Ai 1993 nach Peking zurückkehrte, um seinen kranken Vater zu besuchen, stellte er fest, dass auch China ein kapitalistischer Staat geworden war und um jeden Preis Wirtschaftswachstum anstrebte: „Obwohl ich in mein Heimatland zurückgekehrt war, hatte ich das Gefühl fremder als je zuvor.'

Zu diesem Zeitpunkt begann er, mit seinem Bruder häufig Antiquitätenmärkte zu besuchen. „Wir verbrachten jeden Tag mindestens vier bis sechs Stunden damit, Tausende von Teilen durchzugehen und zu versuchen, uns die Vergangenheit vorzustellen.“ „Aufgrund der Kulturrevolution hatten wir nie einen Geschichtsunterricht“, erklärt er. „Und in den Vereinigten Staaten war alles neu.“ Diese Märkte gaben mir also die Möglichkeit, jedes Objekt genau unter die Lupe zu nehmen. Ich begann zu sammeln und die Vergangenheit anhand der materiellen Kultur zu verstehen. Ich entwickelte ein Interesse an menschlichen Bemühungen [Objekte zu formen]: wie sie einen Sinn ergaben, warum sie einen Sinn ergaben, wie sie mit Materialien umgingen. Und wie sich die Stile von der Han-Dynastie zur Tang-Dynastie oder von der Tang-Dynastie zur Song-Dynastie völlig veränderten. Dann habe ich verstanden, dass selbst eine perfekte Sprache unter anderen politischen Umständen völlig verschwinden kann. Da ist nichts übrig. Das gab mir viel Einblick in den menschlichen Geist.“

In der Ausstellung im Design Museum von Ai wird Spouts (2015) zu sehen sein, ein „Feld“ ausrangierter antiker Teekannenausgießer (Ai mobilisierte ein ganzes Dorf in China, um diese anzuhäufen).

Da seine Statur und seine Ressourcen wuchsen, wurde Ais Sammeltätigkeit im Laufe der Jahre immer produktiver. Während er sagt, dass er nur Dinge sammelt, die ihn faszinieren, ohne Rücksicht auf deren möglichen Einsatz in Kunstinstallationen, bilden seine Sammlungen mittlerweile die Grundlage der fünf Bereiche des Design Museums. Still Life umfasst rund 1.800 neolithische Steinwerkzeuge, die aus dem archäologischen Kontext befreit wurden. Angrenzend sind im „Spouts“ über 240.000 Ausgießer aus der Song-Dynastie (960–1279) zu sehen, von denen man annimmt, dass sie von Teekannen abgeschnitten wurden, die nicht den Qualitätsstandards entsprachen. In der Nähe befindet sich Untitled (Porcelain Balls) (2022) mit 100.000 Porzellanprojektilen aus einer ähnlichen Zeit. „Was mich fasziniert, ist, dass sie nicht maschinell, sondern mit großer Sorgfalt von Hand hergestellt werden und keines von ihnen genau die gleiche Größe hat, aber sie sind in größtmöglicher Perfektion gefertigt“, schwärmt Ai.

Ohne Titel (Lego-Vorfall) (2015), der sich auf Legos Weigerung bezieht, Ai mit Steinen für „politische Arbeiten“ zu beliefern.

Die letzten beiden Felder sind mit zeitgenössischen Materialien gefüllt. Die blauen Porzellanfragmente wurden aus zerstörten Kunstwerken im Pekinger Atelier des Künstlers geborgen, das 2018 von den chinesischen Behörden dem Erdboden gleichgemacht wurde. (Sein Atelier in Shanghai war 2011 ebenfalls abgerissen worden. In einem Akt der Rekultivierung baut Ai dieses Atelier nun in seinem wieder auf Portugiesischer Nachlass.)

Mittlerweile sind Legosteine ​​seit 2014 ein bevorzugtes Material für Ai, als er für eine Installation in Alcatraz Lego-Porträts von Aktivisten, Gefangenen aus Gewissensgründen und Befürwortern der freien Meinungsäußerung aus der ganzen Welt schuf. Im folgenden Jahr lehnte der Spielzeughersteller drei Monate lang Großbestellungen des Künstlers ab und verwies auf eine Richtlinie, die die Verwendung seiner Steine ​​in „politischen Werken“ verbiete. Ai reagierte mit einer Crowdsourcing-Kampagne: „Die Leute haben mich unterstützt, indem sie die Legosteine ​​ihrer Söhne und Töchter eingeschickt haben.“ „Es wurde eine kleine soziale Bewegung“, erinnert er sich. Im Design Museum zeigen die Steine ​​„mein Verständnis dafür, dass Design nicht nur aus unserem Kopf entsteht, sondern auch als Produkt menschlichen Kampfes existiert“.

Hanger (2011), ein Symbol für Ais 81 Tage Haft, hergestellt mit traditionellen chinesischen Tischlertechniken

Mit der Verwendung von Readymades ist Ai eine Hommage an Marcel Duchamp, den er „den Ingenieur und Designer moderner kultureller Aktivitäten“ nennt. Bei seiner Ankunft in den USA begegnete er dem Werk des französischen Konzeptualisten zum ersten Mal im Philadelphia Museum of Art. Ai erkannte, dass „Kunst in unseren Köpfen und nicht in unserer Vision entsteht“, und schuf „Hanging Man“ (1986), einen nach Duchamps Profil gebogenen Drahtbügel. Dies ist Teil der neuen Ausstellung, zusammen mit drei neueren Stücken, die Kleiderbügeln ähneln und auf die 81 Tage im Jahr 2011 anspielen, die Ai wegen angeblicher „Wirtschaftsverbrechen“ in Geheimpolizeigewahrsam verbrachte. Er beantragte einen Monat lang, bevor die Polizei ihm sechs Plastikbügel gestatten würde, damit er seine T-Shirts trocknen könne. „Irgendwann dachte ich, ich würde 13 Jahre eingesperrt“, sagt der Künstler, der sein Symbol der Unterdrückung inzwischen aus Holz, Edelstahl und venezianischem Glas neu gestaltet hat. In ähnlicher Weise zeigt die Ausstellung Handschellen aus Hartholz und Jade, einem Material mit großer historischer und spiritueller Bedeutung in China.

Marble Takeout Box (2015), das die nachhaltige Umweltbelastung durch Wegwerfgegenstände hinterfragt

In der gleichen Vitrine treffen die Besucher auf weitere Alltagsmotive, die in edlen Materialien verarbeitet wurden. Eine aus weißem Marmor nachgefertigte Styropor-Imbissbox lenkt unsere Aufmerksamkeit auf die Umweltauswirkungen von Wegwerfgegenständen und die Schattenseiten der wirtschaftlichen Entwicklung Chinas, während ein aus Glas gegossener Bauhelm auf die Fragilität des Arbeitsschutzes in einer Wirtschaft hinweist, die auf deren Rücken aufgebaut ist Gastarbeiter. Während die materiellen Veränderungen uns dazu veranlassen, die Objekte in einem neuen Licht zu betrachten, verweist die Wahl der alltäglichen Typologien auf einen anderen künstlerischen Helden von Ai, Andy Warhol, der ihn lehrte, dass „das, was wir jeden Tag tun, eine tiefe Bedeutung hat“.

Die Not der Enteigneten ist ein wiederkehrendes Thema für Ai, der beklagt, dass der Mensch trotz des wirtschaftlichen und technologischen Fortschritts „eine Spezies ohne Mitgefühl, egoistisch und kurzsichtig bleibt“. Im Jahr 2008 wurde er durch ein Erdbeben der Stärke 7,9 in der Provinz Sichuan zum Handeln angespornt. Dabei kamen mindestens 69.000 Menschen ums Leben, darunter viele Schulkinder, deren Schulen aufgrund schlechter Bauarbeiten, vor denen korrupte Regierungsbeamte ein Auge zugedrückt hatten, einstürzten. Ai kanalisierte seine Verzweiflung in eine Bürgeruntersuchung, die auf seinem Blog veröffentlicht wurde, und begann, Rucksäcke und Stahlbewehrung als Motive für seine Kunstwerke zu verwenden. Im Design Museum werden zwei Aufrufe zum Gedenken zu sehen sein: „Snake Roof“ (2008), eine 16 m lange, schlangenförmige Installation aus Rucksäcken, und „Rebar and Case“ (2014), in dem drei Stücke verstümmelter Bewehrungsstäbe in Marmor nachgearbeitet und darin begraben sind Holz.

Das müllcontainerförmige Kabinett (2014)

Ein Holzschrank, ebenfalls aus dem Jahr 2014, wurde von einer anderen Tragödie inspiriert. Im Jahr 2012 wurden in der Provinz Guizhou fünf Jungen tot in einem Müllcontainer aufgefunden. Es wird angenommen, dass sie in der Tonne ein Holzkohlefeuer angezündet hatten, um sich warm zu halten, und sich dabei durch Kohlenmonoxid vergiftet hatten. Das Stück „ist wie ein klassischer Schrank im Ming-Stil, hergestellt aus den besten Materialien von den besten Handwerkern.“ Es gibt keine Nägel, nur versteckte Verbindungen.“ Aber indem Ai seine Form dem Müllcontainer nachempfunden hat, gibt er auch ein starkes politisches Statement für die Menschen ab, die zurückgelassen werden, während China immer wohlhabender wird. „Es kommt von meinem Verständnis von „es hätte mein Leben sein können“, erklärt er. Eine ähnliche Logik hat die neueren Installationen in der Ausstellung inspiriert, die aus Schwimmwesten bestehen, die auf der griechischen Insel Lesbos gesammelt wurden und die globale Flüchtlingskrise ans Licht bringen.

Glashelm (2022), ein Symbol für die Notlage von Wanderarbeitern im Baugewerbe

Neben Ais skulpturaler und gestalterischer Leistung gibt es eine Dokumentation der sich schnell entwickelnden Bauwelt Pekings in den frühen 2000er Jahren, als die Regierung eifrig ältere Gebäude abriss und sie durch aufragende Türme ersetzte. Vier Filme nehmen den Zuschauer mit auf eine Reise durch die Hauptstraßen der Stadt, während die Fotoserie National Stadium (2005-7) den Bau des Bird's Nest-Stadions im Vorfeld der Olympischen Sommerspiele 2008 zeigt. Ai arbeitete beim Entwurf mit den Schweizer Architekten Herzog & de Meuron zusammen, distanzierte sich jedoch später von dem Projekt und boykottierte die Eröffnungsfeier. „Mir wurde klar, dass Architektur politisch ist. „Es spielt keine Rolle, wie gut das Gebäude ist, aber nachdem wir es entworfen haben, wird es zu einem Element staatlicher Propaganda“, sagt er. In den 15 Jahren seitdem haben wir weitere eklatante Fälle von Sportwäsche erlebt – darunter letztes Jahr bei den Olympischen Winterspielen in Peking und der Weltmeisterschaft in Katar. Glaubt Ai vor diesem Hintergrund immer noch, dass seine Ablehnung des Stadions den persönlichen Preis wert war, den er erlitten hat?

„Sehr oft wird es nicht funktionieren, sich zu äußern, weil die Mächte, gegen die man sich wendet, so gewaltig sind.“ Und ob Olympia oder Weltmeisterschaft, es geht wirklich um Profit. Sie müssen sich diese eine Zeile aus dem Film „All The President's Men“ merken: „Folgen Sie einfach dem Geld.“ Dann kann man die meisten politischen Absichten verstehen“, antwortet Ai. Dennoch besteht er darauf, gegen Fehlinformationen und den Verlust von Menschenleben Stellung zu beziehen: „Man muss immer bereit sein, seine Meinung zu sagen, egal wie groß die Konsequenzen sind, um die tiefste Bedeutung des Menschseins zu schützen.“

Ein Tagesbett im chinesischen Stil, entworfen von Ai in seinem Arbeitszimmer, mit Self-Portrait in Lego (2017) in der Präsentationsbox

Dieser Glaube an freie Meinungsäußerung und daran, für die eigenen Überzeugungen einzustehen, prägt Ais Reihe „Study of Perspective“. Der harmlose Titel täuscht über die trotzige Absicht der Bilder hinweg: Er zeigt den Künstler, wie er mit dem Mittelfinger auf Orte politischer und kultureller Macht zeigt, wie den Platz des Himmlischen Friedens und das Weiße Haus. Eine Auswahl dieser Studien wird im Design Museum zu sehen sein.

Freie Meinungsäußerung ist auch das Thema von The Animal That Looks Like a Llama But is Really an Alpaca 2023 (2023). Das farbenfrohe Muster, das auf dem limitierten Cover der April-Ausgabe 2023 von Wallpaper zu sehen ist, wird zu einer Tapete verarbeitet, die das Atrium des Museums umhüllt. Zu seinen Motiven zählen Überwachungskameras, Handschellen, Ketten, Stahlbewehrungen, Alpakas und Twitter-Vögel. Die Alpakas sind eine Anspielung auf ein chinesisches Meme, das sich über Internet-Zensur lustig macht, und ein Beweis dafür, dass Humor ein Mittel gegen Autoritarismus ist. Unterdessen spiegeln die Vögel Ais unerschütterlichen Glauben an die Macht der sozialen Medien wider. Dank seines Blogs, der 2005 begann und in den vier Jahren seines Bestehens 17 Millionen Leser hatte, wurde er in China zu einem bekannten Namen und ist bis heute ein begeisterter Nutzer von Instagram und Twitter. Obwohl er die schädlichen Auswirkungen sozialer Medien auf die individuelle Aufmerksamkeitsspanne und ihr Potenzial als Vehikel für Fehlinformationen anerkennt, weist Ai darauf hin, dass „wir keine andere Wahl haben.“ Dies ist das einzige Mal in der Geschichte der Menschheit, das uns dazu befähigt, Individuen zu sein. „Der Überfluss an Informationen bedeutet, dass wir unsere eigenen Urteile fällen und uns unabhängig äußern können.“

In seinem Haus in Portugal baut Ai eine Nachbildung seines Studios in Shanghai (das 2011 von den chinesischen Behörden abgerissen wurde), wobei er mit örtlichen Bauarbeitern zusammenarbeitet und traditionelle chinesische Techniken verwendet

Während „Making Sense“ auf spezifische zeitgenössische Anliegen zurückgreift, spricht es universelle menschliche Themen an, sagt Justin McGuirk, der Chefkurator des Museums. „Es geht einen Schritt zurück von den Details des Designs und betrachtet Design wirklich als eine Seinsweise, die sich nicht verändert hat.“ „Weiwei zeigt uns, dass Design eine Sprache ist, die uns über Generationen hinweg kommuniziert und durch die wir etwas über unsere Vorfahren verstehen können.“

Ai wird an der Einschätzung seiner eigenen Wirkung gemessen. Er weist beispielsweise darauf hin, dass er nicht hofft, noch zu seinen Lebzeiten ein demokratisches China zu erleben. Da er jedoch an kumulative Macht glaubt, ist er letztendlich optimistisch, dass sich die Dinge zum Besseren wenden können: „Meine Arbeit mag nur ein Tropfen Wasser im Ozean sein, aber der Ozean besteht aus Wasser.“ Deshalb möchte ich die Menschen, ob in China, im Westen oder anderswo, daran erinnern, dass wir einander verstehen und einander mit Mitgefühl behandeln müssen. „Wir müssen die Menschheit als Einheit sehen.“

„Ai Weiwei: Making Sense“ wird vom 7. April bis 30. Juli im Design Museum, 224-238 Kensington High Street, London W8, gezeigt

designmuseum.orgaiweiwei.com

Rund um Ais neues Studio auf seinem Grundstück warten alte Olivenbäume darauf, neu gepflanzt zu werden

Ais Katzen Yellow und Beauty

TF Chan ist ein ehemaliger Redakteur von Wallpaper* (2020–23), wo er für das monatliche Printmagazin verantwortlich war und für alle Säulen die Planung, Beauftragung, Bearbeitung und das Schreiben von Long-Lead-Inhalten übernahm. Er spielte auch eine führende Rolle in Multi-Channel-Redaktions-Franchises, wie den jährlichen Design Awards von Wallpaper, Gastredakteur-Übernahmen und der Next-Generation-Serie. Sein Ziel ist es, erstklassige, visuell orientierte Inhalte zu erstellen und sich gleichzeitig für Vielfalt, internationale Repräsentation und soziale Wirkung einzusetzen. TF kam im Januar 2013 als Praktikant zu Wallpaper* und war von 2017 bis 2020 als Redakteur tätig und gewann einen 30 unter 30 New Talent Award der Professional Publishers' Association. Er ist in Hongkong geboren und aufgewachsen und hat einen Bachelor-Abschluss in Geschichte von der Princeton University.

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